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| 27 de enero de 2010 por Alejandra Laviada (a las 17:20) |
EL LIENZO FOTOGRÁFICO
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En la universidad estudié pintura, y desde entonces me interesa mucho la idea
de combinar diferentes disciplinas artísticas, y redefinir las barreras que
existen entre ellas.
Haber tenido como base la pintura ha influenciado
enormemente mi proceso fotográfico, ya que busco la manera de construir una
imagen, y no simplemente documentar algo que ya existe. Parto de la idea
del lienzo en blanco y me gusta interactuar con los objetos que fotografío,
pensando en el color, la composición y el equilibrio de estos objetos en mi
lienzo fotográfico.
La serie de Esculturas Fotográficas busca cuestionar la relación
entre la fotografía y la escultura, y es un proyecto que existe en la
intersección de ambas. Las imágenes son el único registro de estas
esculturas efímeras, y las reemplazan como objetos de arte. Al
fotografiarlas, tengo mayor control sobre cómo quiero presentar estos objetos
cotidianos, ya que a diferencia de una escultura que podemos observar desde
diferentes ángulos, en las imágenes existe sólo la perspectiva del artista.
La fotografía siempre ha tenido una relación cercana con otras
disciplinas artísticas. Para el performance art y el land art de los años
60 y 70, la fotografía servía como registro y único testimonio de estas acciones
temporales, que hoy conocemos sólo en imágenes. Esto ayudó a redefinir el
rol que podía tener la fotografía en las artes visuales, y abrió las
posibilidades del medio en un momento clave para el desarrollo de la
fotografía contemporánea. Sin embargo, se prestaba poca atención a la
calidad fotográfica de las imágenes, ya que eran un registro y no un
fin. Mi trabajo tiene ciertas similitudes con estas corrientes artísticas,
pero a diferencia de ellas, la fotografía es un fin y no únicamente un medio
para registrar estas acciones temporales.

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| 25 de enero de 2010 por Alejandra Laviada (a las 09:34) |
ROBERT SMITHSON
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Cuando pienso en un artista que ha influenciado mi trabajo, el primero que me
viene a la mente es Robert Smithson. Para quienes no lo conocen, Smithson
fue un artista americano de los años 60, mejor conocido por sus
‘earthworks’.
El impacto no fue inmediato, pero cuando empecé a leer sus
escritos, descubrí que sus ideas tenían mucha afinidad con los temas que he ido
desarrollando en mi trabajo. Siempre me ha llamado la atención como va
cambiando una ciudad y el lenguaje urbano que la define. La construcción y
destrucción simultánea de un espacio, el ciclo de los lugares y objetos, y la
inevitable temporalidad del todo son temas que han estado presentes a lo largo
de mi trabajo. Pienso en la memoria colectiva que se crea en torno a los
espacios y objetos, y la transición del apego al olvido de los mismos.
© Robert Smithson
Un concepto central en la obra de Smithson (relacionado a los temas que
menciono), es el de la entropía; una especie de ‘evolución en reversa’ que surge
a consecuencia de la rápida urbanización y modernización de las
ciudades. Smithson cuestiona hasta que punto la modernización es evolutiva,
o si en realidad tiene un efecto retrógrada para la identidad de un
lugar.
Mientras que muchos aspectos de la modernización son
indiscutiblemente positivos para una sociedad, hay que reconocer que existen
otros que la perjudican. Es difícil ahora imaginar cómo vivíamos sin los
avances tecnológicos que ha habido en los últimos 20 años. El Internet ha
abierto millones de puertas para la fotografía (puertas que apenas empezamos a
explorar y no se han potencializado). Sin estos avances no existiría este
foro virtual que es el blog de PHE, ni el intercambio de ideas a tantos
kilómetros de distancia. Es una realidad que el mundo se ha vuelto más
accesible para todos, que las distancias se han acortado y han hecho de lo
global algo local y viceversa. (¿Habría que reflexionar tal vez sobre cual
es la diferencia ahora entre lo global y local, si no se están volviendo uno
mismo?)
© Robert Smithson
Los argumentos de Smithson retienen validez hoy en día, en un mundo que
corre el riesgo de perder su identidad ante la globalización y que vive a un
paso tan acelerado, que todo, hasta la arquitectura, es temporal y
desechable. Smithson advirtió el riesgo de la estandarización urbana hace
ya casi medio siglo, y en muchas ciudades es hoy un tema palpable y
progresivo.
© Robert Smithson
La modernización puede robar a las ciudades su identidad, y parece que
cada día más vivimos en virtud y decadencia de la misma. Quizá sea este el
eterno dilema de las ciudades. Sin duda es el reto para revitalizar el
Centro Histórico de la Ciudad de México, al igual que el de otras
ciudades. ¿Cómo evolucionar sin caer en la entropía? ¿Cómo
modernizarse sin robarle valor a la identidad urbana o caer en la
homogeneidad? ¿Cómo evitar la construcción de más ruinas modernas a favor
de una arquitectura con valores y ‘permanente’? ¿Existe tal cosa como una
arquitectura permanente o estamos sujetos a la inevitable temporalidad del
todo?
© Robert Smithson
Estas fotografías muestran la obra más icónica
de Robert Smithson, que se llama Spiral Jetty. Se construyó en 1970 en
Rozel Point, Great Salt Lake, Utah (E.U), y mide 460 mt de largo y casi 5 mt de
ancho. El gran reto ha sido tratar de preservarla, ya que ha estado en
peligro de desaparecer a causa de distintos factores. La lucha por
preservarla resulta un tanto irónica considerando que casi todas las piezas de
Smithson son temporales por naturaleza, y existen sólo a través de las
fotografías. Sin embargo, sería una lástima que desapareciera.
www.robertsmithson.com http://www.diacenter.org/sites/main/59
© Robert Smithson

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| 20 de enero de 2010 por Alejandra Laviada (a las 09:46) |
ARQUEOLOGÍA URBANA
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Una de las cosas que más disfruto cuando oigo a un artista hablar de su trabajo es el proceso que hay detrás de cada obra. La experiencia que tenemos al ver una imagen cambia y podemos apreciarla desde una perspectiva diferente.
Mi proceso fotográfico es una especie de arqueología urbana.
Primero busco el espacio que me interesa fotografiar; un espacio en transición, que por su naturaleza se encuentra en ruinas o medio abandonado. Yo los llamo espacios en extinción, porque son lugares que van a ser demolidos o remodelados por completo, la mayoría de ellos ubicados en el Centro Histórico de la Ciudad de México. Espacios como éstos existen suspendidos en el tiempo; efímeros y sin función alguna, navegando entre un pasado en ruinas y un futuro incierto. Me interesa crear un registro de estos espacios antes de que desaparezcan por completo.
Utilizo cada espacio como un estudio temporal durante un periodo de tiempo indefinido, y luego fotografío mis intervenciones en él. Nunca llevo objetos al espacio, trabajo solo con los que encuentro ahí, que revelan parte de la historia y antigua función de determinado sitio. Mi proceso fotográfico es una especie de arqueología urbana ya que recreo nuevas narrativas con los objetos que voy desenterrando.
Las primeras imágenes eran más documentales, pero con el tiempo se han vuelto más abstractas y los objetos han ido tomando mayor importancia que los espacios. Me gusta la idea de cambiar la percepción que tenemos de los objetos cotidianos para transformarlos en algo diferente y así poder asignarle una nueva función a estos objetos descartados.

Encontré estas sillas en un edificio de oficinas viejo, cada una estaba escondida entre escombros y otros objetos. Las fotografié de 2 maneras distintas, y nunca exhibo estas imágenes juntas, pero se me hizo interesante hacerlo aquí.

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| 15 de enero de 2010 por Alejandra Laviada (a las 09:33) |
CAPAS DE HISTORIA
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México siempre ha sido una fuente de inspiración en mi trabajo. Nací en la Ciudad de México, pero viví fuera muchos años, y en cada visita me llamaba la atención como iba cambiando el lenguaje urbano de la ciudad. Lo sorprendente es que viviendo aquí no te das cuenta de estos cambios sutiles y graduales, hasta que descubres que la ciudad es completamente distinta a como era antes, o a los recuerdos que tienes de ella. Me interesa poder crear un registro de esta transformación, de esta historia que al mismo tiempo que se está escribiendo, está también desapareciendo.
Toda ciudad está construida por capas de historia. En la Ciudad de México, estas capas se vuelven más evidentes en zonas como el Centro Histórico, donde se fundó la ciudad originalmente y donde he desarrollado la mayoría de mis proyectos. Existen aquí todos los estilos y épocas arquitectónicas posibles (desde las ruinas prehispánicas hasta las modernas), construidas literalmente una encima de la otra. Cada capa es parte del estrato urbano que constituye la ciudad, unas visibles, otras no, pero todas ellas presentes en nuestra memoria colectiva.
Los dejo con un par de imágenes… La primera, un dibujo de Robert Smithson que se llama “A Heap of Language”, que ilustra estas ideas de los estratos urbanos y las capas de historia de un lugar. La segunda, una foto que encontré en Internet, se llama “3 Culturas”, creo que su nombre lo dice todo… y describe muy bien la historia de la Ciudad de México.
Robert Smithson, A Heap of Language, 1966 Collection: Museum Overholland, Niewersluis
Foto: 3 Culturas. Oscar Ruiz

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| 7 de enero de 2010 por Alejandra Laviada (a las 16:32) |
EL AÑO QUE COMIENZA
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Alejandra Laviada escribe el Blog PHE durante el mes de enero. La fotógrafa mexicana tendrá una exposición individual en la próxima edición de PHotoEspaña.
Laviada nació en México en 1980. Estudió pintura en la Rhode Island School of Design y despúes realizó una maestría en fotografía en la School of Visual Arts. En 2008 expusó de forma indvidual en los Danziger Projects y de forma colectiva en the NY Photo Festival.
Fue nombrada Wallpaper Emerging Photographer en 2008, fue seleccionada para el PEEK Festival of Emerging Photographers organizado por Arte+Commerce en 2007 y recibió la mención de honor de la XII Bienal de Fotografía en el Centro de la Imagen en 2006. En 2009 ganó el Premio Descubrimientos PHE con su trabajo Esculturas fotográficas.
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Acaba un año y comienza otro. Con él empieza mi participación en este blog durante todo el mes de enero.
Empiezo por una pequeña introducción para explicar cómo llegué hasta aquí. Hace exactamente un año apliqué a la revisión de portafolios que organizó PHE en México (que organiza también en Madrid, y ahora por primera vez en Guatemala y Sâo Paulo). Es una experiencia que recomiendo ampliamente; una oportunidad única para entrar en contacto con diferentes personalidades del ámbito fotográfico, intercambiar ideas e interactuar con otros fotógrafos.
Sin duda, es un momento de reflexión y de cuestionamiento; de analizar tus ideas, la dirección de tu trabajo y si estás logrando transmitir el mensaje que quieres a través de tus imágenes.
Pocas veces nos damos el lujo de parar por un momento nuestras vidas y abstraernos temporalmente de nuestra realidad inmediata. En un mundo donde todo va tan de prisa, se nos olvida reflexionar sobre las cosas mas importantes, tanto en el ámbito personal, como en el ámbito emocional y profesional. En el caso de una revisión de portafolios, esta introspección nos ayuda a definir el rumbo que queremos seguir y ver nuestro trabajo desde otra perspectiva.
Ese tiempo fue invaluable para mí, y pensé que ahí había acabado mi experiencia con PHE. Cinco meses después recibí una llamada telefónica para avisarme que había ganado el premio Descubrimientos. Escuchaba las palabras pero no podía procesar lo que me estaban diciendo, realmente fue una sorpresa increíble, y completamente inesperada! Una semana después volaba a Madrid para recibir el premio y tratar de entender lo que esto significaba en mi carrera profesional.
Todavía no tengo la respuesta. Solo sé que la oportunidad de ser parte del festival me emociona y me motiva enormemente. Y ahora espero, a través de estos escritos, poder compartir con ustedes lo que hay detrás de mi trabajo ; las ideas, la inspiración y la parte del proceso que no se revela en las fotografías.

Foto: Joel Aguilar. Entrega de premios PHotoEspaña 2009

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| 27 de noviembre de 2009 por Carlos Sanva (a las 09:19) |
FUNDACIÓN
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Esta imagen de Paco Gómez cada vez más vieja, es de una reunión previa a la fundación de Nophoto. No todos los que aparecen son miembros del colectivo, pero si compañeros o amigos y hay muchos más que no están y que conocí, antes o después y que no eran artistas ni fotógrafos.
Aprovecho para cerrar con ella apuntando una aparente contradicción, que es la de entender la producción artística de manera colectiva. Cuando aprieto el botón normalmente estoy solo y luego en el estudio también. Pero luego se lo cuento a alguien y antes lo comenté con otro que también, me explicó sus inquietudes y procesos o cosas mucho más mundanas y luego fuimos a ver una exposición cenamos, reímos y paseamos juntos…

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| 23 de noviembre de 2009 por Carlos Sanva (a las 09:42) |
SOCIOLOGY
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Jorquera, muy instalado en Wuhan gestionó la Muestra y consiguió que nos invitaran a producir nuevo trabajo, para hacer una segunda exposición con una visión externa de su ciudad.
En China entre mas de mil millones de personas, en pos del abandono del pensamiento único, estas cuestiones de individualidad en relación a lo colectivo tomaban una nueva dimensión.

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| 13 de noviembre de 2009 por Carlos Sanva (a las 09:44) |
MOSAICO NUMBERS
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Este es mi preferido de la serie de mosaicos de Suma II. Formalmente funciona bastante bien, con esos colores planos, y tipografías de alto impacto, pero también me interesa el hecho de la identificación personal con un numero, o especialmente con el numero de otro! Ahora, con perspectiva y hablando de grupos y conjuntos en clave matemática es una bonita casualidad que estos individuos quedasen transformados en sencillos ordinales. Una vez fotografiados 40, 60 o 100 números y después de componer el mosaico y darlo por bueno. Para mi pierde el interés, podría seguir trabajando en esta idea y coleccionar números hasta el infinito (que parece que los hay). Aquí entra un factor imprevisible, que en la vida y en el arte, a diferencia de en los sistemas matemáticos, hay números que son mas atractivos, para unos u otros independientemente de su valor. Eso debe ser el efecto del otro hemisferio cerebral, el que no hace las cuentas.

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| 5 de noviembre de 2009 por Carlos Sanva (a las 17:31) |
CARLOS SANVA ESCRIBE EN EL BLOG DE PHE
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Carlos Sanva nace y vive en Madrid. Se Licencia en Ciencias de la Comunicación por la UNNE de Madrid y posteriormente estudia fotografía en EFTI.
Comienza a trabajar en el diario El Mundo de donde pasa a colaborar con revistas nacionales e internacionales. Participa en “Madrid Inmigrante” un encargo de la Comunidad de Madrid y Magnumphotos que concluye con la publicación y exposición del mismo.
Su trabajo se va alejando progresivamente de la temática editorial. Miembro fundador del colectivo Nophoto. Seleccionado en Purificación García 2007 con la pieza Números. Participa en la exposición Muta Matadero x Nophoto en Photoespaña 2007 presentando “Al otro lado del río”. En 2008 realiza un proyecto que forma parte de la colección Recorridos Arco en Artium.
Participa en la exposición Aptitud para las Armas en la sala Amadis del Instituto de la juventud. También recibe el premio Photoespaña al fotógrafo revelación 2009 que premia la trayectoria de un fotógrafo menor de 35 años. -----------------------------------------------------------------
Voy a responder a la invitación de participación en este blog, hablando de una parte de mi trabajo en relación con los grupos. Nada muy especial, todos somos individuos, todos pertenecemos a algún grupo. He realizado dos series que tratan mas específicamente este tema: 49cc y Aproximaciones Superficiales. En otros trabajos previos, también he trabajado de manera menos consciente, o menos clara en cuestiones que ponían en relación al individuo con el grupo de una manera u otra. No pretende ser una monografía, sino mas bien una serie de apuntes que representan algunas ideas a este respecto.
MOSAICO SUMMA Summa es un trabajo con muchas fotos, una primera parte y una primera parte de una segunda parte. Es un trabajo de una época en la que disparaba mucho, repetitivamente, como si me preparara para una maratón. Este mosaico representa individuos, parecidos a mi, pero diferentes, todos dentro de sus ventanitas de 10x15. Matemáticamente, seria como otro intento fallido de describir uno a uno todos los elementos de un conjunto dado.

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