Para despedir este blog quiero compartir con ustedes algunas imágenes nuevas que estoy preparando para una exposición en el Museo del Eco, en la Ciudad de México.

La exposición inaugura el 17 febrero y estará abierta al público hasta el 28 marzo, para los que estén por aquí y quieran visitarla. Tomé estas fotos en un edificio abandonado en el Centro Histórico, donde he estado ‘construyendo’ (o ‘destruyendo’) hoyos en las paredes.

Las imágenes hablan sobre el ciclo de construcción y destrucción de estos espacios temporales, y tienen un diálogo importante con la pintura; en particular con la abstracción pictórica y el colorfield painting de los años cincuenta y sesenta.

Quiero agradecer a todos su apoyo, sus comentarios y participación en el blog. Aplaudo la iniciativa de PHE.es por crear este foro como medio de expresión y diálogo. Gracias! 

En la universidad estudié pintura, y desde entonces me interesa mucho la idea de combinar diferentes disciplinas artísticas, y redefinir las barreras que existen entre ellas.

Haber tenido como base la pintura ha influenciado enormemente mi proceso fotográfico, ya que busco la manera de construir una imagen, y no simplemente documentar algo que ya existe. Parto de la idea del lienzo en blanco y me gusta interactuar con los objetos que fotografío, pensando en el color, la composición y el equilibrio de estos objetos en mi lienzo fotográfico.

La serie de Esculturas Fotográficas busca cuestionar la relación entre la fotografía y la escultura, y es un proyecto que existe en la intersección de ambas. Las imágenes son el único registro de estas esculturas efímeras, y las reemplazan como objetos de arte. Al fotografiarlas, tengo mayor control sobre cómo quiero presentar estos objetos cotidianos, ya que a diferencia de una escultura que podemos observar desde diferentes ángulos, en las imágenes existe sólo la perspectiva del artista.

La fotografía siempre ha tenido una relación cercana con otras disciplinas artísticas. Para el performance art y el land art de los años 60 y 70, la fotografía servía como registro y único testimonio de estas acciones temporales, que hoy conocemos sólo en imágenes. Esto ayudó a redefinir el rol que podía tener la fotografía en las artes visuales, y abrió las posibilidades del medio en un momento clave para el desarrollo de la fotografía contemporánea. Sin embargo, se prestaba poca atención a la calidad fotográfica de las imágenes, ya que eran un registro y no un fin. Mi trabajo tiene ciertas similitudes con estas corrientes artísticas, pero a diferencia de ellas, la fotografía es un fin y no únicamente un medio para registrar estas acciones temporales.

Cuando pienso en un artista que ha influenciado mi trabajo, el primero que me viene a la mente es Robert Smithson. Para quienes no lo conocen, Smithson fue un artista americano de los años 60, mejor conocido por sus ‘earthworks’.

El impacto no fue inmediato, pero cuando empecé a leer sus escritos, descubrí que sus ideas tenían mucha afinidad con los temas que he ido desarrollando en mi trabajo. Siempre me ha llamado la atención como va cambiando una ciudad y el lenguaje urbano que la define. La construcción y destrucción simultánea de un espacio, el ciclo de los lugares y objetos, y la inevitable temporalidad del todo son temas que han estado presentes a lo largo de mi trabajo. Pienso en la memoria colectiva que se crea en torno a los espacios y objetos, y la transición del apego al olvido de los mismos.

Una de las cosas que más disfruto cuando oigo a un artista hablar de su trabajo es el proceso que hay detrás de cada obra.
La experiencia que tenemos al ver una imagen cambia y podemos apreciarla desde una perspectiva diferente.

Mi proceso fotográfico es una especie de arqueología urbana.

Primero busco el espacio que me interesa fotografiar; un espacio en transición, que por su naturaleza se encuentra en ruinas o medio abandonado. Yo los llamo espacios en extinción, porque son lugares que van a ser demolidos o remodelados por completo, la mayoría de ellos ubicados en el Centro Histórico de la Ciudad de México. Espacios como éstos existen suspendidos en el tiempo; efímeros y sin función alguna, navegando entre un pasado en ruinas y un futuro incierto. Me interesa crear un registro de estos espacios antes de que desaparezcan por completo.

Utilizo cada espacio como un estudio temporal durante un periodo de tiempo indefinido, y luego fotografío mis intervenciones en él. Nunca llevo objetos al espacio, trabajo solo con los que encuentro ahí, que revelan parte de la historia y antigua función de determinado sitio. Mi proceso fotográfico es una especie de arqueología urbana ya que recreo nuevas narrativas con los objetos que voy desenterrando.

Las primeras imágenes eran más documentales, pero con el tiempo se han vuelto más abstractas y los objetos han ido tomando mayor importancia que los espacios. Me gusta la idea de cambiar la percepción que tenemos de los objetos cotidianos para transformarlos en algo diferente y así poder asignarle una nueva función a estos objetos descartados.

Encontré estas sillas en un edificio de oficinas viejo, cada una estaba escondida entre escombros y otros objetos. Las fotografié de 2 maneras distintas, y nunca exhibo estas imágenes juntas, pero se me hizo interesante hacerlo aquí.

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México siempre ha sido una fuente de inspiración en mi trabajo. Nací en la Ciudad de México, pero viví fuera muchos años, y en cada visita me llamaba la atención como iba cambiando el lenguaje urbano de la ciudad. Lo sorprendente es que viviendo aquí no te das cuenta de estos cambios sutiles y graduales, hasta que descubres que la ciudad es completamente distinta a como era antes, o a los recuerdos que tienes de ella. Me interesa poder crear un registro de esta transformación, de esta historia que al mismo tiempo que se está escribiendo, está también desapareciendo.

Toda ciudad está construida por capas de historia. En la Ciudad de México, estas capas se vuelven más evidentes en zonas como el Centro Histórico, donde se fundó la ciudad originalmente y donde he desarrollado la mayoría de mis proyectos. Existen aquí todos los estilos y épocas arquitectónicas posibles (desde las ruinas prehispánicas hasta las modernas), construidas literalmente una encima de la otra. Cada capa es parte del estrato urbano que constituye la ciudad, unas visibles, otras no, pero todas ellas presentes en nuestra memoria colectiva.

Los dejo con un par de imágenes… La primera, un dibujo de Robert Smithson que se llama “A Heap of Language”, que ilustra estas ideas de los estratos urbanos y las capas de historia de un lugar. La segunda, una foto que encontré en Internet, se llama “3 Culturas”, creo que su nombre lo dice todo… y describe muy bien la historia de la Ciudad de México.

Robert Smithson, A Heap of Language, 1966 Collection: Museum Overholland, Niewersluis

49 c.c. nace de algunos ensayos como este que me permiten identificar la moto como aglutinante social y elemento simbólico muy relacionado con la juventud, o con ciertas actitudes juveniles que me interesan.

La primera vez que mostre esta serie fue en la exposición que realice con Nophoto en el museo provincial de Hubei en China. En paralelo a la nuestra había otra exposición llamada Sociology que entre otras cosas describía la construcción de la presa de las tres gargantas, con la inevitable foto de todos los trabajadores juntos. Imagen similar y a la vez tan distinta de las mías…

Esta imagen es del Proyecto Muta Matadero que desarrollé junto con Nophoto para la reapertura de Matadero Madrid, ahora preside mi lugar de trabajo en el estudio.

Es una imagen encontrada, que me sigue pareciendo importante al margen del trabajo que desarrollamos sobre el barrio Usera-Legazpi. Además del maoísmo, aparece también el elemento juventud que me interesa especialmente en relación con el grupo.

La atracción como la parte mas opaca del pensamiento aunque algunos se hayan empeñado en racionalizarla. Y el estilo como conjunto de características reconocibles. Hubo un momento en el que creía que una buena foto era una que se pudiese reconocer como tuya a la primera y si todas eran parecidas ya tenías tu estilo al que no había que renunciar nunca.

El gran Araki, tan grande que parece tres. Desde hace décadas viene realizando las series Caras De. Así según su lógica consigue retratar una generación entera o su país al completo. Recientemente he conocido el trabajo de Ken Kitano, también japonés que fotografía caras en 35mm para luego fundirlas en el cuarto oscuro, creando el rostro de esa demarcación geográfica concreta donde ha trabajado.

Existen también otras aproximaciones más conceptuales como la de Santiago Sierra que realizando medias aritméticas consigue asignar valores económicos en función del tono de piel de los caraqueños.

Carlos Sanva nace y vive en Madrid. Se Licencia en Ciencias de la Comunicación por la UNNE de Madrid y posteriormente estudia fotografía en EFTI.

Comienza a trabajar en el diario El Mundo de donde pasa a colaborar con revistas nacionales e internacionales. Participa en “Madrid Inmigrante” un encargo de la Comunidad de Madrid y Magnumphotos que concluye con la publicación y exposición del mismo.

Su trabajo se va alejando progresivamente de la temática editorial. Miembro fundador del colectivo Nophoto. Seleccionado en Purificación García 2007 con la pieza Números. Participa en la exposición Muta Matadero x Nophoto en Photoespaña 2007 presentando “Al otro lado del río”. En 2008 realiza un proyecto que forma parte de la colección Recorridos Arco en Artium.

Participa en la exposición Aptitud para las Armas en la sala Amadis del Instituto de la juventud. También recibe el premio Photoespaña al fotógrafo revelación 2009 que premia la trayectoria de un fotógrafo menor de 35 años.
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Voy a responder a la invitación de participación en este blog, hablando de una parte de mi trabajo en relación con los grupos. Nada muy especial, todos somos individuos, todos pertenecemos a algún grupo. He realizado dos series que tratan mas específicamente este tema: 49cc y Aproximaciones Superficiales. En otros trabajos previos, también he trabajado de manera menos consciente, o menos clara en cuestiones que ponían en relación al individuo con el grupo de una manera u otra. No pretende ser una monografía, sino mas bien una serie de apuntes que representan algunas ideas a este respecto.

MOSAICO SUMMA
Summa es un trabajo con muchas fotos, una primera parte y una primera parte de una segunda parte. Es un trabajo de una época en la que disparaba mucho, repetitivamente, como si me preparara para una maratón. Este mosaico representa individuos, parecidos a mi, pero diferentes, todos dentro de sus ventanitas de 10x15. Matemáticamente, seria como otro intento fallido de describir uno a uno todos los elementos de un conjunto dado.