Bueno sigamos adelante yendo para atrás.

Creo que hay un momento, aterrador y liberador, cuando uno da cuenta el porqué decide posar la mirada sobre una cosa y no sobre otra. Nunca fui de andar con la cámara en el bolso todo el tiempo y para ser sincero eso me acongojaba bastante. Pensaba que para ser un fotógrafo con todas las letras no cabía ser de otra manera.

Los viajes eran una tortura, me debatía entre sacar fotos o disfrutar, frustrando ambos planes y encima cuando volvía a casa, como fotógrafo, debía traer de vuelta unas fotos increíbles.

Resulta que en 2006 gracias a la beca TRAMA la gente de RUANGRUPA (visiten su site, vale la pena conocer todo lo que produce este grupo) me seleccionan para una residencia artística en Indonesia. Allí debía trabajar sobre la temática de las vacaciones públicas en Jakarta.

Hasta aquí todo muy lindo, pero resulta que al llegar las personas de la organización me dicen que justo en ese momento no había vacaciones públicas en Jakarta - "Qué interesante"- me digo para mis adentros sin dejar de sonreir y pensar ahora de que me disfrazo.

Todo esto me lleva directamente a reflexionar sobre lo arbitrario, sobre el oficio, el idioma, la cultura, los viajes, el absurdo y por qué no, sobre LAS RESIDENCIAS ARTISTICAS que de alguna manera conjugan un poco de todo eso. Casi una institución en si misma en el mundillo del arte, por lo general el combo residencia se compone de: un país desconocido o casi , un tema arbitrario, un tiempo determinado y un extranjero con una disciplina artística bajo el brazo.

Volvamos a Indonesia... ¡qué momento! hay que desarrollar un proyecto sobre un tema, pero sin el tema. La clave para no desesperar fue pensar que, aunque justo en ese momento hubiera tenido las vacaciones públicas, tampoco tenía idea de que se trataba eso, para lo cual era lo mismo que sucedieran como que no.

¿Qué hice? caminé y caminé una ciudad impensada para caminar, y al caminarla visualicé una ciudad impensada para detenerse, una ciudad sin espacios verdes, una ciudad dónde el esparcimiento es pago y a puertas cerradas.

Una mañana luego de varios días de caminar aparentemente sin rumbo me dije: "¿Porqué no crear un kit de picnic para que la gente pudiera PARAR cuando sea y dónde sea?"

Picnic Kit pretende romper la lógica instaurada. Es mi respuesta al modo en que la vida está organizada y a su relación con los espacios y con el tiempo.
Picnic "donde sea y cuando sea" fue mi forma de hablar del absurdo a través del absurdo.

Espero hayan disfrutado el viaje.

Sebastián Friedman escribe en el blog de PHE. Su obra fotográfica se ha podido ver en varias exposiciones individuales y colectivas en Argentina, Indonesia, España, EE.UU., Alemania, Brasil y Bélgica, en sedes como la Biblioteca Nacional de Argentina, el Center for Photography en Woodstock, EE.UU., el Instituto Iberoamericano de Berlín o el Instituto Cervantes de Bélgica. Ha sido premiado en varias ocasiones en certámenes, en becas y en residencias de artistas.

Presentó su porfolio Familia y doméstica en la pasada edición de Trasatlántica y su trabajo se pudo ver en la exposición Encubrimientos del Instituto Cervantes de Madrid durante el Festival de PHotoEspaña.

--------------------------------------------------

Cada vez tengo más presente la sensación de que trabajo creando tajadas de un proyecto, que algún día alguien podrá decir que componen un todo, o un algo que debería estar muy cerca de mi cosmovisión.

¿Porqué digo esto? A ver... tengo últimamente entre manos proyectos que dan la sensación de estar incompletos, que necesitan algo más a su lado y que no es por una cuestión cuantitativa de imágenes. Sino que me encuentro frente a una especie de ser que sigue con hambre, que no deja de pedir alimento. Al mismo tiempo los proyectos que puedo considerar que pueden sostenerse solos, de ninguna manera entran en conflicto con estos nuevos seres hambrientos y ahí está la cuestión.

Voy a aprovechar esta invitación a manera de diario de viaje por mi propio trabajo y por mis constantes contradicciones, así no me siento tan solo y ustedes no se sienten tan solos con las propias.

Hoy les muestro para ser coherente tajadas de dos proyectos:

Fisura: sobre mujeres consumidoras de PACO (similar a la Pasta Base, llámese un droga barata, adictiva y destructiva) y su paso por un centro de recuperación de adictos. Elegí trabajar con 3 objetos: las pipas de construcción casera, algo muy preciado para cada una de ellas y que no estuvieran dispuestas a vender por droga y un extracto de las entrevistas que les realizaron.




"Cuando no tengo una pincita y veo que tengo mucha ceja, muy gruesas, por ahí le agarro la maquinita a Martín. Martín está siempre con la maquinita presente. Si tengo un solo pelo acá abajo del brazo, me vuelve loca. Él no sabés lo que es… igualmente yo siempre fui de estar depilada. Por ejemplo a mí me da vergüenza levantar el brazo lleno de pelos delante de los pibes"

"Yo veía a mi hermana que se subía a los coches y le preguntaba qué es lo que hacen. Y me decía que se subían y le regalaban plata... “te regalan la plata, vos le tenés que hacer algo y te regalan la plata”. Y yo ahí, empecé. Solo quería tener plata para fumar otra vez. Seguir fumando"




"Yo decidí dejar porque estaba re arruinada.
Me sentía que todos me miraban y se reían de mí. Y no me gustaba a mí eso, no era una persona, era cualquier cosa... yo igualmente me hacía respetar con todos. A mi nadie, esté como esté, a mí nadie me iba a pasar por arriba. Yo caminaba sola, sigo caminando sola"

"Me acuerdo de una sola vez que me había acostado con un chabón por plata. Era la primera vez que yo me prostituía… Después vinieron unos travestis que también fumaban paco y todas esas cosas a la casa de mi mamá y era que fumaban con mi hermana, con la más grande. Que son de Longchamps, las travestis y venían acá y venían todos los días. O a veces se quedaban amanecidos y todas esas cosas y ellos me vistieron… Ya que lo hice un día, después me vestí y después empecé yo sola. Y después una vieja que mandaba ahí la zona, era una vieja que todos la conocen. Y yo iba a la casa a fumar. Y después laburaba a full, ¡sabés como laburarba! Y le daba toda la plata a ella… yo no sabía"



"Cuando estaba en la calle yo misma me decía “ soy una iglesia abandonada, yo no tengo cura. Yo no salgo más, a mi me encanta drogarme”.
Y el que me sacó de todo eso fue el cura de la parroquia, el padre pasaba al lado mío y me decía ¿ves tus ojos?, tus ojos están pidiendo ayuda a gritos"

El otro proyecto es Souvenir, dónde trabajo con las siluetas que solemos encontrar en los lugares turísticos o de consumo y que nos invitan a poner el rostro en el cuerpo de una celebridad, un superhéroe, etc, entonces a este dispositivo le invierto su imagen aspiracional (término muy de moda en el ambiente del marketing) y coloco una imagen realizada por mí de alguna persona o grupo en situación precaria o marginal, invitando a los participantes a que se animen a ponerse en el cuerpo de ese otro.


 

Hasta la victoria siempre 



HAY 3 COMENTARIOS || INTRODUCE EL TUYO.

Los adolescentes parecen estar llenos de esperanza y entusiasmo en un periodo interesante de sus vidas entre la infancia y la época adulta. En los últimos dos años he estado fotografiando jóvenes atletas. Esto fue en parte inspirado por los Juegos Olímpicos que se celebrarán en Londres en 2012 y también porque me interesa mucho fotografiar adolescentes. Comencé con un proyecto en la Photographers’ Gallery en Londres, ‘frontrunners’, que se puede ver en su página web http://www.photonet.org.uk/index.php?pid=335 Fui a las escuelas que participaban en las olimpiadas de los barrios para hacer retratos de los niños que los maestros identificaban como particularmente buenos en un deporte. También fueron entrevistados acerca de su deporte preferido y sus ideas sobre los Juegos Olímpicos y el mundo.

Vamos a ir a España en Mayo por invitación del comisario Claudí Carreras. Entre los días 13 y 18 de este mes se celebra la segunda edición del evento organizado por Claudí, el E:CO, un encuentro con 20 colectivos de fotógrafos de diversos países. Es un gran evento que promete buenos intercambios además de una exposición sobre el medio ambiente. Entre los invitados estarán William Klein, Horácio Fernández y Alejandro Castellote. Entre las ciudades Madrid y Soria, 6 días de intercambio y fotografía.

E:CO va a ser una etapa más de nuestra relación con este comisario y un evento que hace posible que se vea todo lo que se ha producido. Tiene un blog, que se hace aquí en Brasil, y que adelanta un poco lo que veremos por allí. La editora de este blog es la querida y genial Adelaida Ivanova.

Brasil, Argentina, Espanha, França, México, Perú, Alemanha, Costa Rica, Reino Unido, Portugal, Italia, Venezuela y otros países estarán representados por colectivos fotográficos.

¡Hola!

Vamos a escribir durante este mes en el blog de PHE.

Para ello hemos decidido tratar dos asuntos: el primero un movimiento que se está llevando a cabo en la fotografía brasileña a través de blogs. Y un segundo asunto es el Sueño de la Razón, una revista que edita la Fundación Patiño de Bolivia, con un consejo editorial formado por fotógrafos de América del sur.

Comenzaremos mostrando algunos blogs brasileños como Icônica, una página muy especial para la fotografía.

Como dice uno de sus editores, Rolando Entler: “Lo más rico de estas experiencias no es el contenido de cada blog en sí, sino lo que sucede entre ellos. A veces siento que las redes proporcionan una interacción y una inmersión similar a aquella que solamente vemos en los grandes eventos, pero incluso más potenciada”

Rodrigo Braga es otro autor importante de nuestra fotografía. Su ensayo se llama “Deseo Eremita”, fue publicado a diez páginas en la revista Sueño de la razón. Lo que él piensa y cómo se expresa mediante la fotografía vale la pena observarlo con calma. Por años.

Además de las fotos que se ven aquí, se puede dar una ojeada a un trabajo producido en 2004 llamado “Fantasía de compensación”. Una ojeada de las fotos y una leída del texto “Dos bastidores de un autorretrato”.

Esto es todo por ahora ¡Hasta pronto!

Cia de Foto

Para despedir este blog quiero compartir con ustedes algunas imágenes nuevas que estoy preparando para una exposición en el Museo del Eco, en la Ciudad de México.

La exposición inaugura el 17 febrero y estará abierta al público hasta el 28 marzo, para los que estén por aquí y quieran visitarla. Tomé estas fotos en un edificio abandonado en el Centro Histórico, donde he estado ‘construyendo’ (o ‘destruyendo’) hoyos en las paredes.

Las imágenes hablan sobre el ciclo de construcción y destrucción de estos espacios temporales, y tienen un diálogo importante con la pintura; en particular con la abstracción pictórica y el colorfield painting de los años cincuenta y sesenta.

Quiero agradecer a todos su apoyo, sus comentarios y participación en el blog. Aplaudo la iniciativa de PHE.es por crear este foro como medio de expresión y diálogo. Gracias! 

En la universidad estudié pintura, y desde entonces me interesa mucho la idea de combinar diferentes disciplinas artísticas, y redefinir las barreras que existen entre ellas.

Haber tenido como base la pintura ha influenciado enormemente mi proceso fotográfico, ya que busco la manera de construir una imagen, y no simplemente documentar algo que ya existe. Parto de la idea del lienzo en blanco y me gusta interactuar con los objetos que fotografío, pensando en el color, la composición y el equilibrio de estos objetos en mi lienzo fotográfico.

La serie de Esculturas Fotográficas busca cuestionar la relación entre la fotografía y la escultura, y es un proyecto que existe en la intersección de ambas. Las imágenes son el único registro de estas esculturas efímeras, y las reemplazan como objetos de arte. Al fotografiarlas, tengo mayor control sobre cómo quiero presentar estos objetos cotidianos, ya que a diferencia de una escultura que podemos observar desde diferentes ángulos, en las imágenes existe sólo la perspectiva del artista.

La fotografía siempre ha tenido una relación cercana con otras disciplinas artísticas. Para el performance art y el land art de los años 60 y 70, la fotografía servía como registro y único testimonio de estas acciones temporales, que hoy conocemos sólo en imágenes. Esto ayudó a redefinir el rol que podía tener la fotografía en las artes visuales, y abrió las posibilidades del medio en un momento clave para el desarrollo de la fotografía contemporánea. Sin embargo, se prestaba poca atención a la calidad fotográfica de las imágenes, ya que eran un registro y no un fin. Mi trabajo tiene ciertas similitudes con estas corrientes artísticas, pero a diferencia de ellas, la fotografía es un fin y no únicamente un medio para registrar estas acciones temporales.

Cuando pienso en un artista que ha influenciado mi trabajo, el primero que me viene a la mente es Robert Smithson. Para quienes no lo conocen, Smithson fue un artista americano de los años 60, mejor conocido por sus ‘earthworks’.

El impacto no fue inmediato, pero cuando empecé a leer sus escritos, descubrí que sus ideas tenían mucha afinidad con los temas que he ido desarrollando en mi trabajo. Siempre me ha llamado la atención como va cambiando una ciudad y el lenguaje urbano que la define. La construcción y destrucción simultánea de un espacio, el ciclo de los lugares y objetos, y la inevitable temporalidad del todo son temas que han estado presentes a lo largo de mi trabajo. Pienso en la memoria colectiva que se crea en torno a los espacios y objetos, y la transición del apego al olvido de los mismos.

Una de las cosas que más disfruto cuando oigo a un artista hablar de su trabajo es el proceso que hay detrás de cada obra.
La experiencia que tenemos al ver una imagen cambia y podemos apreciarla desde una perspectiva diferente.

Mi proceso fotográfico es una especie de arqueología urbana.

Primero busco el espacio que me interesa fotografiar; un espacio en transición, que por su naturaleza se encuentra en ruinas o medio abandonado. Yo los llamo espacios en extinción, porque son lugares que van a ser demolidos o remodelados por completo, la mayoría de ellos ubicados en el Centro Histórico de la Ciudad de México. Espacios como éstos existen suspendidos en el tiempo; efímeros y sin función alguna, navegando entre un pasado en ruinas y un futuro incierto. Me interesa crear un registro de estos espacios antes de que desaparezcan por completo.

Utilizo cada espacio como un estudio temporal durante un periodo de tiempo indefinido, y luego fotografío mis intervenciones en él. Nunca llevo objetos al espacio, trabajo solo con los que encuentro ahí, que revelan parte de la historia y antigua función de determinado sitio. Mi proceso fotográfico es una especie de arqueología urbana ya que recreo nuevas narrativas con los objetos que voy desenterrando.

Las primeras imágenes eran más documentales, pero con el tiempo se han vuelto más abstractas y los objetos han ido tomando mayor importancia que los espacios. Me gusta la idea de cambiar la percepción que tenemos de los objetos cotidianos para transformarlos en algo diferente y así poder asignarle una nueva función a estos objetos descartados.

Encontré estas sillas en un edificio de oficinas viejo, cada una estaba escondida entre escombros y otros objetos. Las fotografié de 2 maneras distintas, y nunca exhibo estas imágenes juntas, pero se me hizo interesante hacerlo aquí.

HAY 8 COMENTARIOS || INTRODUCE EL TUYO.

México siempre ha sido una fuente de inspiración en mi trabajo. Nací en la Ciudad de México, pero viví fuera muchos años, y en cada visita me llamaba la atención como iba cambiando el lenguaje urbano de la ciudad. Lo sorprendente es que viviendo aquí no te das cuenta de estos cambios sutiles y graduales, hasta que descubres que la ciudad es completamente distinta a como era antes, o a los recuerdos que tienes de ella. Me interesa poder crear un registro de esta transformación, de esta historia que al mismo tiempo que se está escribiendo, está también desapareciendo.

Toda ciudad está construida por capas de historia. En la Ciudad de México, estas capas se vuelven más evidentes en zonas como el Centro Histórico, donde se fundó la ciudad originalmente y donde he desarrollado la mayoría de mis proyectos. Existen aquí todos los estilos y épocas arquitectónicas posibles (desde las ruinas prehispánicas hasta las modernas), construidas literalmente una encima de la otra. Cada capa es parte del estrato urbano que constituye la ciudad, unas visibles, otras no, pero todas ellas presentes en nuestra memoria colectiva.

Los dejo con un par de imágenes… La primera, un dibujo de Robert Smithson que se llama “A Heap of Language”, que ilustra estas ideas de los estratos urbanos y las capas de historia de un lugar. La segunda, una foto que encontré en Internet, se llama “3 Culturas”, creo que su nombre lo dice todo… y describe muy bien la historia de la Ciudad de México.

Robert Smithson, A Heap of Language, 1966 Collection: Museum Overholland, Niewersluis

49 c.c. nace de algunos ensayos como este que me permiten identificar la moto como aglutinante social y elemento simbólico muy relacionado con la juventud, o con ciertas actitudes juveniles que me interesan.

La primera vez que mostre esta serie fue en la exposición que realice con Nophoto en el museo provincial de Hubei en China. En paralelo a la nuestra había otra exposición llamada Sociology que entre otras cosas describía la construcción de la presa de las tres gargantas, con la inevitable foto de todos los trabajadores juntos. Imagen similar y a la vez tan distinta de las mías…

Esta imagen es del Proyecto Muta Matadero que desarrollé junto con Nophoto para la reapertura de Matadero Madrid, ahora preside mi lugar de trabajo en el estudio.

Es una imagen encontrada, que me sigue pareciendo importante al margen del trabajo que desarrollamos sobre el barrio Usera-Legazpi. Además del maoísmo, aparece también el elemento juventud que me interesa especialmente en relación con el grupo.

La atracción como la parte mas opaca del pensamiento aunque algunos se hayan empeñado en racionalizarla. Y el estilo como conjunto de características reconocibles. Hubo un momento en el que creía que una buena foto era una que se pudiese reconocer como tuya a la primera y si todas eran parecidas ya tenías tu estilo al que no había que renunciar nunca.

El gran Araki, tan grande que parece tres. Desde hace décadas viene realizando las series Caras De. Así según su lógica consigue retratar una generación entera o su país al completo. Recientemente he conocido el trabajo de Ken Kitano, también japonés que fotografía caras en 35mm para luego fundirlas en el cuarto oscuro, creando el rostro de esa demarcación geográfica concreta donde ha trabajado.

Existen también otras aproximaciones más conceptuales como la de Santiago Sierra que realizando medias aritméticas consigue asignar valores económicos en función del tono de piel de los caraqueños.

Carlos Sanva nace y vive en Madrid. Se Licencia en Ciencias de la Comunicación por la UNNE de Madrid y posteriormente estudia fotografía en EFTI.

Comienza a trabajar en el diario El Mundo de donde pasa a colaborar con revistas nacionales e internacionales. Participa en “Madrid Inmigrante” un encargo de la Comunidad de Madrid y Magnumphotos que concluye con la publicación y exposición del mismo.

Su trabajo se va alejando progresivamente de la temática editorial. Miembro fundador del colectivo Nophoto. Seleccionado en Purificación García 2007 con la pieza Números. Participa en la exposición Muta Matadero x Nophoto en Photoespaña 2007 presentando “Al otro lado del río”. En 2008 realiza un proyecto que forma parte de la colección Recorridos Arco en Artium.

Participa en la exposición Aptitud para las Armas en la sala Amadis del Instituto de la juventud. También recibe el premio Photoespaña al fotógrafo revelación 2009 que premia la trayectoria de un fotógrafo menor de 35 años.
-----------------------------------------------------------------

Voy a responder a la invitación de participación en este blog, hablando de una parte de mi trabajo en relación con los grupos. Nada muy especial, todos somos individuos, todos pertenecemos a algún grupo. He realizado dos series que tratan mas específicamente este tema: 49cc y Aproximaciones Superficiales. En otros trabajos previos, también he trabajado de manera menos consciente, o menos clara en cuestiones que ponían en relación al individuo con el grupo de una manera u otra. No pretende ser una monografía, sino mas bien una serie de apuntes que representan algunas ideas a este respecto.

MOSAICO SUMMA
Summa es un trabajo con muchas fotos, una primera parte y una primera parte de una segunda parte. Es un trabajo de una época en la que disparaba mucho, repetitivamente, como si me preparara para una maratón. Este mosaico representa individuos, parecidos a mi, pero diferentes, todos dentro de sus ventanitas de 10x15. Matemáticamente, seria como otro intento fallido de describir uno a uno todos los elementos de un conjunto dado.

Salgo a caminar temprano pensando en la última foto para el blog.

Quería algo optimista o al menos no muy bajón, pero en Coronel Díaz choco contra esta escena.

Hasta luego

La semana pasada terminaron de quitar las marquesinas de Diagonal Norte. El gobierno anuncia un proyecto para varias calles más.

Creí ingenuamente que estos trabajos, hoy en Avenida Santa Fe, eran parte del plan.

Llevo 15 años sin pisar una cancha, prefiero ver fútbol en la tele.

Hoy River y Boca empataron 1 a 1. El festejo de Gallardo, efímero.

Este es un un país crispado. El debate de esta semana es sobre el nivel de pobreza de los jóvenes.

Sin ánimo de polemizar, mi sensación es que veo cada día más gente viviendo en la calle.

Estacion San Juan del subte c,12 hs.

Almuerzo con Adriana, viene de un retiro de silencio de dos semanas.

Todas son noticias alentadoras: casa, muestra. El Caseros agradable como siempre.

La vista sobre el cementerio de Recoleta debe ser cosa seria ¿El riesgo al limpiar esos ventanales lo justifica?

Dudas de alguien que siente vertigo en un andén de subte.

En general no es fácil caminar por las veredas de Buenos Aires, pero esta tarde en la calle Uriburu la variedad de obstáculos lo hacían casi imposible.

Finaliza el asado del dia de la madre, Sofía llega con Emma para un té.

Sólo quedan las mujeres de la familia. Todas dan sus consejos a la primeriza. Martha, como siempre, la mas irónica.

Voy a ver a MJ, visita quincenal al analista.

Hablo todo el tiempo del blog, la lucha con la cámara digital, Internet, lo masivo y lo anónimo.

No hago diván, mi campera si.

Todos somos técnicos, todos sabemos de fútbol. Argentina clasifica para el mundial jugando pésimo.

La escena, esta tarde, en un negocio del centro. 

Cae la tarde y no tengo la foto de hoy.

Salgo de Clarín, camino hasta Plaza Constitución. Una voz lejana me pide que le haga una foto.

- ¿Por qué llevas la cara cubierta?
- Es que me convertí al islamismo- dice Widha.
- Yo soy albino de nacimiento- dice Jorge.

400 grs de chorizo copetin
350 grs de morcilla
250 grs de provoleta
1.800 kgrs de lomo
2.000 kgrs de ojo de bife
Vino, quién sabe

La estridente música de Madona sirve de motivador para estos improvisados gimnastas callejeros.

Cuerpos poco agraciados y movimientos bastantes torpes no impiden el disfrute de una tarde de domingo.

Irving Penn 1917-2009

Nunca tuve perro. No deja de sorprenderme a diario la intimidad que algunos humanos logran con ellos.

La escena ,saliendo de mi clase de tenis, frente al paseo Alcorta

Piernas espléndidas, vestido sin mácula, rostro perfecto...

El afiche está desplegado en la entrada del shopping ¿Tendrá photoshop?

El parque de Palermo está inundado. Anoche diluvió sobre Buenos Aires. Esto me obliga a cambiar el rumbo en mi caminata matinal.

Durante el nuevo periplo me cruzo con el depósito de monumentos de la ciudad. Hago unas fotos desde afuera.

El guardia de seguridad me prohibe continuar al grito de: "¡Para! esto es cultura".

Me despierto inquieto.

Prendo la tele para ver la temperatura y un flash anuncia la muerte de Mercedes Sosa. Hoy tengo que comenzar el proyecto que acordamos con los amigos de PHotoespaña: una foto diaria durante el mes de octubre con un pequeño texto. Es una copia/homenaje a Raymond Depardon y su correspondencia neoyorkina del 1981.

Como no tengo camara digital se la pido prestada a mi hija Julia. Su lumix posee un lente leica. Me hago un autorretrato a modo de presentación.

Espero que esto mejore con los días...

Cuando regresé del exilio a mi alrededor estaba muy presente el temor constante que venía de manos de los que instalaron la llamada "normalización" del régimen después de la derrota de la "Primavera de Praga".

El entorno gris y la falta de valor para demostrar la calidad del ser humano era común donde quiera que mirabas. Alguna gente denominó a esto "vivir en la zona gris".

El país estaba dividido en dos: por un lado los partidarios del régimen y por otro lado los traidores, entre ellos los intelectuales y disidentes. En la televisión comunista sacaron una serie que era como un lavado de cerebro para confundir a las personas.

La realidad en las calles era hostil y suspicaz porque 75,000 tropas rusas custodiaban el status quo. En mi tiempo libre yo intentaba hacer fotos que representaran la vida real de las personas que me rodeaban...

La celebración pública de las TSI de mayo de 1974 en Ostrava- unos meses después de mi llegada de Canadá- fue una mezcla del "mundo orwelliano de 1984" con el deseo genuino de la clase trabajadora por celebrar "su” día. Disfrutaron de poder permanecer cerca unos de otros, de celebrar la amistad eterna entre la Checoslovaquia socialista y la Unión Soviética, marchando por la calle principal y gritando consignas del partido.

Yo estaba allí con mi cámara, lleno de miedo, pero siguiendo mi impulso interno para grabarlo todo. Muchas de estas fotos terminaron en cajas de papel y permanecieron allí por un largo tiempo. Cuando en 2007 la BBC produjo el documental del fin del comunismo en el este de Europa se utilizaron algunas de mis fotos para ilustrar la segunda parte llamada "El Reino del olvido" en Checoslovaquia en la época comunista.

Viktor Kolár septiembre 2009

En verano voy a nadar a un lago cercano a mi casa, donde me encuentro con mis compañeros de Ostrava. No hay que pagar ni un centavo para quedarse allí, algunos chicos pobres pasan todo el verano en este lugar durmiendo en tiendas de campaña, pescando y bebiendo botellas de la cerveza local... Aquí vengo a nadar con mi familia y también a hacer fotos. En este blog muestro una selección de algunas de ellas.

Es necesario saber que yo no estoy actuando siempre como "fotógrafo", aunque tenga la cámara encima. Simplemente mi intuición me dice si se puede seguir adelante con la fotografía en algunos momentos determinados, de una manera muy auténtica como he tratado de hacer desde el comienzo de mi aventura con la fotografía. El objetivo es ser visible, aunque sigo produciendo imágenes que no muestran ningún signo de mi presencia…

 

A continuación voy a describir un evento a pequeña escala que tuvo lugar recientemente y que escogí no fotografiar: Un padre con su hijo de 14 años que llevaba una caja con un animal aparecieron de repente y se pusieron a descansar cerca de donde yo estaba. Cuando se desnudaron vi sus cuerpos blancos, como si salieran por primera vez a disfrutar del sol y de los placeres del verano. Estaban muy cerca uno del otro, hablando en voz baja, al contrario que el resto de las personas que gritaban todo el tiempo. La caja que llevaban servía de refugio para un gato - el amante de la libertad. El chico de vez en cuando sacaba al animal fuera de la caja y le besaba y después lo volvía a poner de nuevo en la "seguridad" de aquella caja. De pronto el hijo se quedó dormido creando una sorprendente imagen de vulnerabilidad, inocencia e intimidad.

Mi imaginación comenzó a pensar salvajemente en todas las posibilidades que daba esta situación a mi cámara en mi posición privilegiada. Esta observación fue, después de todo, la única moneda que recibí ese día sin arrepentirme de no haberlo fotografiado. Aquello me incentivó a meditar sobre los problemas eternos de la cordura, la cercanía, la libertad…

Escogí convertirme en fotógrafo por derecho propio, por mis propias motivaciones, razones que yo entiendo muy bien. Al principio comencé mi aventura amorosa con la fotografía, más tarde hubo un cambio que pasó por una actividad creativa más profunda fijando normas que seguir.

 

La fotografía es una actividad que requiere su propio ritmo. A mi entender la alquimia del trabajo en la fotografía tiene el mismo conjunto de normas que otras disciplinas artísticas o científicas. Es como sacar un diamante de una pieza de carbón, hablando metafóricamente.

Si este tipo de logro artístico no se produce en el momento justo, podemos perder el incentivo para continuar y crear un cuerpo de trabajo constituido por fotografías personales. Así que yo escogí convertirme en un corredor de fotografía de “larga distancia" para lograr este objetivo. Ahora creo que mi decisión fue la correcta, porque poco a poco fueron llegando buenas fotografías que necesitaron mucho tiempo para producirse.

Fotografiar lugares donde supuestamente no pasa nada es mi territorio creativo. Es donde descubro mis motivos, la gente que me gusta encontrar, es donde he creado muchas de mis fotos de Ostrava ... después de todo, reconozco la ayuda de una fuerte imaginación, de unos sentidos agudos y una enorme curiosidad personal como una fuerza poderosa para mi fotografía.

Lamento decir que el entorno industrial y vivir en él durante mucho tiempo hace daño a los seres humanos. Deja "estigma" en los ciudadanos de Ostrava. Ellos cargan con una invisible herida abierta. El artista que ve la herida no puede pretender que no existe. Desde 1989, cuando la historia pasó de página y la libertad apareció en la vida de mi pueblo, continué en este proceso de observar cómo las personas afrontan este nuevo reto de la libertad en sus vidas y también cómo responden a la imagen de la nueva sociedad representada por los centros comerciales ...

Viktor Kolár, septiembre 2009

Acabo de pasar la mayor parte de estos últimos días en la nieve, por lo que no he encontrado tiempo para escribir un texto largo esta semana. Imagino que ya han llegado el sol y el calor a España, pero en Suiza sigue nevando bastante en este momento.

Debería aprovechar para hablar de nuestras montañas y mostrar un proyecto en el que he estado trabajando desde hace algún tiempo ya, se llama Lavina, (Avalancha en romanche, la lengua oficial de Engadina, la región de la que yo provengo). El resultado es totalmente distinto a mis otras series, pero el proceso de tomar fotografías es casi el mismo, excepto que esta vez, no hablo ni de gente ni de comunidades.                                                                                             

Suiza ha construido su identidad nacional a través de la iconografía de sus montañas. Estas se muestran como un tranquilo paraíso, en el que los turistas, sin necesidad de un conocimiento específico, pueden aprovechar la naturaleza . De alguna manera, se convirtió en una especie de oasis en el que la gente encuentra un refugio de la rutina diaria. Sin embargo, para hacer este sueño realidad y accesible, el entorno tiene que estar controlado y formado todo lo posible.

He estado trabajando durante más de 5 años con guías e investigadores que provocan avalanchas con dinamita para evitar accidentes en estaciones de ski o por otros motivos de seguridad. Dado que era imposible meterse en un helicóptero, tuve que escalar de frente a las montañas en las que se producían las avalanchas.

El objetivo de estas fotografías no era documentar estas acciones, sino mostrar lo majestuosa y poderosa que puede ser una avalancha. Se convierte casi en una escena abstracta, como si la nieve de la avalancha fuese cubriendo parte del blanco de un lienzo. 

Planeo la jornada. Preparo por las noches con Abdul, mi traductor, la ruta del día siguiente. Salgo por la mañana. Lo primero que hago es intentar cumplir con el objetivo marcado. Una vez fotografiado aquello que tenía previsto, me relajo y abro las puertas a la improvisación. Abdul, entonces, se puede ir a donde quiera. Normalmente se va a su habitación a rezar o a ver la tele. Yo vago por las calles, me dejo llevar como una hoja en la corriente y a veces, cuando menos lo espero, aparece la foto perfecta. La mayoría de las veces lo que aparecen, son fotos sin más. Y a menudo, no aparece nada de nada. Tengo unas 10.000 fotos de Xinjiang. En la edición final voy a utilizar cerca de 130. Es decir, un 1,3% del material. Un 98,7% se quedará en el cajón. No hay muchos trabajos en los que se de esta enorme desproporción entre lo producido y lo utilizado.                                       

Esta historia ha sido un ejercicio de dificultades deliberadamente autoimpuestas. Busqué uno de los sitios más remotos del mundo. Un lugar donde no se habla ingés en absoluto. Donde la policía china vigila cada paso que das. Un lugar de mayoría musulmana, con 6 fronteras calientes y mucho petróleo. Gente muy suspicaz. No había mucha información acerca de Xinjiang y nadie había hecho un trabajo fotográfico en profundidad sobe el tema. Ya en 2006 era previsible que durante los Juegos Olímpicos hubiera jaleo por aquí. Una semana antes de la inauguración, varios ataques por parte de los uigures dejaron cerca de 30 muertos. En consecuecia este año la vigilancia es mayor de lo habitual.

Además me impuse utilizar sólo dos objetivos de focal fija y corta: un 24 y un 50. Esto me obliga a acercarme a aquello que quiero fotografiar.

Estoy en Xinjiang, Asia Central. El extremo occidental de China. Es el tercer viaje del proyecto Far West. Un proyecto de libro con el que pretendo empezar a entender por qué Asia Central lleva siendo la punta de la peonza del mundo desde hace milenios. Far West es un proyecto que dura ya 3 años, por lo tanto es un proyecto inevitablemente mutante y mi principal ocupación durante estos días, además de hacer fotos, es descubrir en qué va a quedar una vez que haya pasado 4 semanas fotografiando y vuelva a Madrid.

Entre ayer y hoy, he recorrido 1300 Km en un cochecillo, por carreteras congeladas, para hacer 2 fotos. He estado un rato en una comisaría china y mi único compañero es mi guía Abdul, musulmán, suní, con quien tengo pesadas y a veces absurdas conversaciones de religión. Y así funciona esto: nadie me ha encargado este trabajo. No sé con más certeza que la íntima, si mi proyecto verá la luz algún día como lo imagino o no. Pero tengo una idea muy clara de lo que quiero contar. Casi podría decir que es una visión. Y eso es muy peligroso; porque hay un punto en el que dejas de preguntarte si merece la pena. Hay un momento en el que parece que el precio no importa. Pero todos sabemos que el precio sí importa. Como digo, este proyecto es mutante. Mutará la selección final de fotos que lo configurará y su secuencia. Cambiarán, casi seguramente los capítulos. Los significados parciales se moldearán de nuevo. Pero el concepto básico es ya muy sólido.

Me he dado cuente de que el método que estoy siguiendo es parecido al que se lleva a cabo en una película. Tengo una especie de story board imaginario en el que voy tachando viñetas cada vez que consigo la foto que necesito. Cada vez quedan menos viñetas libres y las fotos cada vez son más difíciles de encontrar. A veces dos o más fotos pugnan por una viñeta. Es una lucha lamentable. Es como ver a dos amigos peleándose. Me cuesta mucho tomar partido. Y luego están las viñetas sorpresa. Pero esas están fuera de mi control. Me las encuentro y luego me toca encontrarles un sitio o mandarlas a la calle entre llantos de despedida. Me pregunto qué pasaría si cogiera todas las fotos que se han quedado a las puertas del libro e intentara configurar una historia con ellas. Quizás saldría un libro más interesante por lo que tendría de rebelde. Las fotos que no aprobaron, las que no cumplían las normas, se unirían en un grupo heterodoxo, desarticulado y puede que más vivo. No descarto hacer el ejercicio.

Sólo hay una cosa que decir sobre esta semana: Obama está dentro y Bush está fuera. Las cosas ya se ven mejor.

Hice una pequeña inauguración fotográfica el martes. Estoy realmente metida en el proyecto y quiero seguir ampliándolo, ya que por el momento son sólo esbozos.

También he comenzado a trabajar en series fotográficas con algunos amigos que son estilistas, maquilladores y diseñadores. Muy a menudo siento que cada uno de esos oficios se pierde difuminándose en la imagen final. 

Va a ser un proyecto que dará importancia a cada una de estas personas, a su creativa visión dentro de su particular oficio. Serán sólo ellos, la modelo y mi cámara. No habrá un “equipo”, no habrá grandes luces ni presupuesto. Será una simplificación de estos oficios que cuando se unen ayudan a crear la atmósfera prefecta para una imagen completa.

… O al menos este es el punto de partida de algo mucho más amplio. Veremos.

Esta semana escribo sentado en el EuroStar. Estoy yendo a casa desde “La Planque” para pasar las vacaciones de navidad: cervezas en Londres, ir al piso sin color de mis padres, montar en bicicleta y ver a mis padres otra vez…

Pienso en los resúmenes del año que ahora nos bombardean en la prensa y en la televisión. Hago balance de mi año y de las cosas reales que me han pasado, no tienen ninguna relación con la idea de lo que ha pasado en los últimos doce meses para los medios de comunicación. Por mi parte he sufrido la primera pérdida real de mi vida cuando mi hermano murió este verano. Es una sensación extraña el pensar en como nos sentimos parte de la sociedad cuando lo que nos cuentan sobre el año tiene que ver con el armario de Carla Sarkozy.

Nuestro año está lleno de pequeñas cosas personales que la fotografía puede llegar a capturar. Imágenes de sueños, de misteriosos momentos que nos pillan detrás de la imagen. Es un acto limpio y libre. Lleno de posibilidades…informado por esos viejos fantasmas, algunos de ellos siguen vivos…

La fotografía sigue siendo útil para nosotros como almas perdidas, una imagen de un ser querido puede tener mucho valor y no me refiero al millón que le pagan a Carla Bruni. Pero debe haber algo más mágico y metafísico acerca de este tema...Yo antes era ciego pero ahora puedo ver... lo que me recuerda que algunas cosas son claramente más grandes que nosotros.

Los fotógrafos somos afortunados por poder saber que haremos el próximo año y el resto de nuestras vidas. Podemos ver cualquier cosa que ocurra…perros vestidos como seres humanos, la suave neblina de la lluvia en los bosques canadienses, las madres llorando en los funerales lejos de nuestras propias familias...

Parafraseando a Bill Shankly, entrenador de equipos de fútbol en la década de 1960 "la fotografía no es tan importante como la vida y la muerte... es mucho más grave que todo eso".

Esta semana estoy en la Francia profunda, en “La Planque”, la casa familiar de mi amiga en Aveyron.

Está nevando. No puedo creer la suerte que esto supone para mis fotos. Tengo que esconder mi emoción delante de los abuelos que están bastante preocupados por el estado de las carreteras y no van a poder volver a París a tiempo.

He estado trabajando en este proyecto que veis en las fotos cada vez que vengo a este mágico lugar. Supongo que el desafío aquí es disparar fotos sin que sean el típico cliché de un paraíso rural. Tienen más importancia las sensaciones que se tienen aquí que el lugar en sí mismo, que es como un cuento de hadas cubierto de blanco. No me quejo si no se entiende, de hecho este es uno de los pocos lugares de los que no me quejo.

La gente me sugiere que haga fotografía de moda cuando ven este trabajo, pero debe haber algo más detrás de este mundo. Este lugar refleja una pureza que existe en ese mundo ideal que se podría encontrar en algún sitio. Generosidad, amor y libertad…todo menos compras y estilo de vida urbano. Necesito pensar en algo distinto después de mi trabajo de redadas policiacas.

Esta semana he estado algunos días en Bretaña y Normandía para celebrar el cumpleaños de unas amigas… allí esperaba fotografiar antiguos megalitos, y al final he acabado con una película llena de fotos de piscinas.

Estoy acostumbrado a que la gente me pregunte porqué estoy haciendo fotos y normalmente esta pregunta les induce a hacerme otra del tipo: “¿Puedo ayudarte?” y yo siempre digo:”No, gracias”, entonces la gente se suele enfadar. En este caso concreto, para salir del paso, Pauline dijo: “es fotografía artística” a lo que el dueño de la tienda de la piscina respondió: “No entiendo nada” y yo asentí: “Yo tampoco”.

Y es que me he percatado de que cuando la gente se da cuenta de que no eres representante de un concurso o del gobierno o no vas a hacer una gran fortuna con tus fotografías, llegan a la conclusión de que eres estúpido e incluso un poco inocente.

Pero el punto realmente grave es que ahora la gente está acostumbrada a utilizar cámaras y yo me pregunto si las nuevas reglas obligarán a cambiar a quienes quieren fotografiar el mundo dejando de lado las normas establecidas. En este sentido las revistas de famosos han ayudado a hacer que la gente sea escéptica y piense bastante a menudo que tu trabajo está conectado con el espionaje y el dinero.

Una vez un hombre me dijo, refiriéndose a mi trabajo de Asaltos policiacos, que yo era un “Voyeur”. En otra ocasión un cura me dijo que era un egoísta (umm…había perdido a la mitad de su rebaño de fieles). Tienes que ser cauto con tu trabajo pero tampoco puedes quedarte en la cama asustado por los comentarios que te hagan.

Si estoy asustado, en cambio, con la idea de tener que esforzarme para poder hacer las fotos en las que creo, cuando a nuestro alrededor cada vez nos dicen más y más lo que tenemos que mirar y cómo tenemos que pensar.

La fotografía puede ser un acto tonto cuando lo observas, una reacción básica…pero eso me gusta y lo voy a aprovechar. Más ahora que nunca tenemos que saber porqué y cómo debemos posicionarnos para no formar parte de este bombardeo de imágenes que no tiene sentido.

Una diseñadora de Londres (cuya identidad prefiero mantener en el anonimato) me obligó a hacer justo esto. La odié por ello. Esto va contra nuestros instintos de editar simplemente lo que nos divierte. Pero ella tenía clara su postura y era rigurosa en ese aspecto.

Seguramente tendré que luchar para sacar a la luz estas cuatro nuevas fotografías que he encontrado en los archivos para mi libro policiaco. Espero que esta sea la forma de sacar un buen libro… ¡manteniendo a raya al tonto que llevo dentro!

Robin Maddock, el invitado del Blog de PHotoEspaña

Este es un espacio donde destacados fotógrafos se dan cita para compartir sus experiencias creativas y profesionales. Durante el mes de diciembre, Robin Maddock nos relatará su trabajo como fotógrafo, sus procesos creativos y la reciente publicación de su primer libro...te invitamos a seguirlo cada semana.

-------------------------------------------------------------

Esta semana estoy trabajando en París para una exposición que se hará en marzo del año que viene en el “Hospital” de Londres, será una exposición colectiva llamada “Guest House” que se quiere mostrar simultáneamente en París y Shangai el próximo año.

He estado trabajando en ello durante unas cuantas semanas y lo voy a seguir haciendo durante el mes de diciembre en un viaje que tengo planeado por Europa y que culminará en una casa de campo en Aveyron, que está en el sur de Francia.

Es una gran sensación después de haber estado en París PHoto, trabajar en un proyecto para una galería en contraste con el estilo de reportaje documental que he estado haciendo durante años. Siento una nueva libertad al poder hacer un trabajo más personal y ficticio a la vez, aunque eso conlleve algunos riesgos. Es genial poder cambiar el juego de cámaras y el de la propia mente, volver a utilizar aparatos con ciertas limitaciones expositivas que me obligan a hacer cosas nuevas.

También estoy intentando encontrar un buen diseño/producción para mi proyecto de redadas anti droga de la policía en el este de Londres. He intentado copiar el formato del cuaderno de notas de policía para editar un libro…pero me he desanimado al ver que acaba de salir un libro de Depardon con papel cuadriculado de fondo…por eso tengo que encontrar un nuevo camino para hacer mi trabajo sin que parezca un libro de “mesa de café”, pero que siga enseñando las imágenes de la mejor forma. Tengo algunas citas con diseñadores antes de mi viaje para ver como lo podemos hacer atractivo. Me gustaría producir 200 libros numerados mejor que 1000 pero esto es bastante difícil para ser el primer libro.

Hay algunas cuestiones que todavía rondan en mi cabeza para mi libro:
- La nueva impresión digital
- Financiar a un editor que me ayude a distribuir e imprimir 1000 ejemplares o encontrar una firma litográfica que me ofrezca algo especial y limitado.

A veces es sorprendente revisar tus archivos de antes de la edición, con una nueva mentalidad después de algún tiempo y encontrar imágenes que pueden ayudarte a contar una historia. Lo hice esta semana con mi trabajo policíaco, me hizo darme cuenta de cuántos prejuicios tienes las primeras veces cuando tu único objetivo es encontrar las “buenas” fotos.

Me siento un poco más “Católico” en este tema desde que me he mudado a París. Quizá un poco menos anglosajón y algo más relajado… puede ser bueno o malo, veremos.

La siguiente serie “la línea de sombra”, parte de la anterior y busca una mayor profundización en la forma, tanto del espacio, como de la “mancha” en si misma, que poco a poco se va extiendo y oscureciendo hasta llegar al negro, el “no color”. Los espacios, igual que en la anterior, son lugares (o “no lugares”) en construcción o deconstrucción y, por tanto, en transformación.En esta serie hay un mayor diálogo con la naturaleza, que se presenta neutra, distante e invadida ante el acto de construcción.

Por último, y siempre dentro de esta serie final de creación, me gustaría hablar de la última serie de “intervenciones” sobre la que he estado trabajando. Son instalaciones, volúmenes, con los que trato de aproximarme todavía más al diálogo con la realidad, desde un punto de vista matérico.

En este caso, las intervenciones ya no son en un espacio natural, sino que transporto el material original del espacio al lugar de exposición, para construir alli, una especie de realidad/representación. Estas instalaciones provienen también de un extenso trabajo de observación y captación de imágenes, puramente documental.

En la última exposición que realicé en la Galería Moriarty, mostré tres piezas: un muro de ladrillo, una casita suspendida y una “montañita” coronada por una estructura de madera. En las tres instalaciones se trabajaba también con el negro como “no color”, pero ya no utilizando pintura o materiales plásticos, en este caso, empleando carbón para teñir los tres elementos.

El carbón me permite iniciar un diálogo entre lo orgánico e inorgánico y abrir un nuevo ciclo en el que la materia se convierte en una parte fundamental del proceso. El muro, traduce vértigo e inestablidad, contrasta el juego de ritmos de los elementos que lo componen con la fragilidad de se estructura final.

La casita suspendida, trata de llevar el juego de las tres y dos dimensiones a la realidad, fundiéndose con el entorno como si estuviera pintada. Asimismo, el vacío de su contenido y el hecho de estar suspendida son importantes.

Me animo en esta última semana a hablar sobre otra parte de mi trabajo: el de creación de mi propia obra. Me gustaría empezar indicando que un cierto pudor me impide llamarme fotógrafo o incluso artista, aunque entiendo que esa es parte de mi trabajo y no suele haber muchos términos alternativos (propongo aquí un foro de sugerencias al respecto).

También me gustaría apuntar que comparto algunas sensaciones personales sobre mi proceso de trabajo en este blog, sin ningún ánimo didáctico ni pretencioso, simplemente, por compartir una parte del trabajo que normalmente no se hace. Trataré de no ponerme pesado o técnico para no aburrir al personal…

Entiendo el arte como un filtro que nos permite ver la realidad desde diferentes perspectivas y también, como un vehículo para poder compartirlas. Desde esta perspectiva, pienso que las palabras en mi caso no consiguen comunicar lo que las imágenes, asi pues, os invito en primer lugar a visionarlas.

Mi trabajo se estructura en dos partes (como el de todos creo yo): primero, una labor de observación y, a continuación, la labor de creación propiamente dicha. En ambos procesos utilizo diferentes medios que me ayudan a comprender mejor lo que estoy haciendo.

El proceso de observación viene acompañado, siempre que puedo (es decir, siempre que tengo una cámara fotográfica), de la captación las imágenes o detalles que nos llaman la atención, por lo que representan en si mismos, por los caminos que abren, o porque de alguna manera se adecuen a un camino ya iniciado. Los proyectos que hago nacen de esa observación y los considero tan importantes como la obra final en si misma.

A continuación viene un proceso intermedio de reflexión y, en ocasiones, de conceptualización (si se puede decir sin sonar pretencioso), de esa realidad captada. Normalmente, acompañado de un proceso paralelo de abstracción. Esta es la fase que nos permite despegarnos un poco de la realidad de la que partimos, sin dejar de dialogar constantemente con ella. Aquí aparecen los dibujos (o grabados), croquis, etc…

Por último, el proceso de creación, al que no llegan la mayoría de proyectos y que resulta el más trabajoso y frustrante. Aquí, creo yo, es cuando uno deja más de si mismo en la obra. Las primeras piezas propiamente de creación, empezaron con la serie de las “líneas”. Intervenciones pictóricas sobre el espacio, segmentándolo (manchándolo) y dialogando con él.

El diálogo es continuado, desde el primer proceso, a través de una contemplación activa, hasta el último de intervención personal. Las primeras “líneas” buscaban un juego de simetrías y perspectiva con el espacio, resultante de una reflexión sobre las tres dimensiones de la realidad y las dos dimensiones de la representación. Un intento de explicar (me) mejor la relación entre realidad y abstracción. En algunas imágenes de esta serie aparecen “manchas”, apariciones pictóricas más informes, que buscan más la emoción, la sensación y una presencia mayor de uno mismo.

Me gustaría empezar esta semana con disculpas y agradecimientos. Primero las disculpas, por no haber podido implicarme más de lleno en el blog desde el primer momento, la primera semana de este mes ha sido de dedicación exclusiva a la exposición de García-Alix en el MNCARS que muchos habréis podido visitar, a los que todavía no lo habéis hecho, os invito a que lo hagáis y a que compartáis en este foro vuestros comentarios, impresiones y opiniones sobre la misma.

Los agradecimientos son, por fortuna, mas extensos, ya que quiero aprovechar esta oportunidad para agradecer a todas las personas que han colaborado en este proyecto llamado “De dónde no se vuelve”, en el que hemos invertido casi dos años de ilusiones, trabajo y muchos quebraderos de cabeza.

Me gustaría empezar esta semana con disculpas y agradecimientos. Primero las disculpas, por no haber podido implicarme más de lleno en el blog desde el primer momento, la primera semana de este mes ha sido de dedicación exclusiva a la exposición de García-Alix en el MNCARS que muchos habréis podido visitar, a los que todavía no lo habéis hecho, os invito a que lo hagáis y a que compartáis en este foro vuestros comentarios, impresiones y opiniones sobre la misma.

Los agradecimientos son, por fortuna, mas extensos, ya que quiero aprovechar esta oportunidad para agradecer a todas las personas que han colaborado en este proyecto llamado “De dónde no se vuelve”, en el que hemos invertido casi dos años de ilusiones, trabajo y muchos quebraderos de cabeza.

García-Alix ha jugado siempre con ese límite donde el tiempo se extingue. Un vórtice al que se ve irrefrenablemente atraído, donde tantos otros perdieron la vida. Un destino insondable del que por dos veces ha escapado. «En el nombre de todos mis muertos, un ángel me protege.» Lo que no puede eludir, son las heridas producidas en su huida, «un estigma que mancha como una ofensa» .

Este viaje «comenzó en París» , donde se refugia para curar sus heridas. Enfermedad y miedo, «confusión y desaliento» . Un Viaje al fin de la noche , vagando por las calles como lo dibujaría Tardi , solitario, siempre escudriñando los cielos desde la profundidad de Un pozo de tristeza . Como a Gilliet en La bandera, su pasado le acosa: «El vuelo nocturno del recuerdo me perseguía y me atrapaba. Mil imágenes danzaban en mi cabeza construyendo un nuevo puzzle.>>

Céline le enseñó el delirio como única arma frente a la cobardía. El miedo es un prepotente jugador que no conoce a su contrario. García-Alix tomó consciencia de que siempre acababa sentándose frente a frente con él como Bardamu , en las terrazas de los cafés, en los parques, entrenándose para la última partida con la muerte. Lo vemos asomar a la vuelta de una esquina: «pánico en esta esquina» , en su habitación de La Chapelle , en su Última noche en Madrid y en cada uno de sus autorretratos: Angustia .

En una lucha fraticida contra el miedo, García-Alix se transfigura en un misterioso carnicero que cuelga los cadáveres, que previamente ha congelado en posiciones inverosímiles, al fondo de una inmensa cámara frigorífica. «Congelados. Al otro lado de la vida.» Colecciona muerte. «Una colección de retratados es una colección de futuros cadáveres.» La fotografía es, pues, «el arma de un crimen» . Theodor Adorno y Max Horkheimer, en un pasaje de Dialéctica de la ilustración, hablan de «una actitud de entrega a las cosas, sin las que no puede existir el arte, no está alejada de la violencia del criminal». García-Alix sería ese criminal: «poseer presencias me excita. Me alimenta.» O, quizás, alguien que ha ido demasiado lejos en la comprensión de la muerte, buscando respuestas a preguntas todavía sin formular: «Fotografío lo vivo como ya muerto, con la intencionalidad de un forense.»

Foto: Un pasado en cartón piedra ©Alberto García-Alix 

Foto: Ecce Homo ©Alberto García-Alix 

García-Alix comparte con sus compañeros la pócima del olvido: «Morfina… Pentazozina. Palfium. Dolantina. Pentapón. Xosegón… Ampollas de clorhidrato mórfico… Heroína…» Un potente anestésico que les hunde en un dulce estado de inconsciencia hedonista. Casi sin enterarse, va perdiendo uno a uno a los miembros de tan especial tripulación, La tumba del marinero , guiados por una faro de luz engañosa, De donde no se vuelve .

Foto: La tumba del marinero ©Alberto García-Alix 

Desde el presente, García-Alix retrocede en su recuerdo, «paso a paso», como decía Laurence Durrell en su novela Justine, «como un marinero que baja por la cadena del ancla hasta alcanzar las más negras profundidades en la memoria de un gran puerto de aguas estancadas».
«El primero en morir fue mi hermano Willy y la primera en nacer fue su hija Nuria. Una lección magistral de vida.»

La obra de García-Alix nos introduce en una fuerte pulsión entre vida y muerte. Un trabajo siempre en el límite, que se vuelve a reproducir entre su vida y su obra. Por la forma en que ha vivido y trabajado, estos dos elementos se enfrentan e intercambian sus papeles según la voluntad de un destino con el que irremediablemente se encuentra: vida/fotografía, fotografía/muerte.

Nicolás Combarro, el invitado del Blog de PHotoEspaña

Este es un espacio donde destacados fotógrafos se dan cita para compartir sus experiencias creativas y profesionales. Durante el mes de noviembre, Nicolás Combarro nos relatará su experiencia como comisario de la exposición de García-Alix, su trabajo como fotógrafo, sus procesos creativos...


UN VIAJE SIN RETORNO

De donde no se vuelve es el título de este proyecto con el que García- Alix nos acerca a su lado más íntimo y poético. Siempre se ha hablado de la épica de la obra de este creador, de una especie de mitología contada en primera persona, una mitología terrenal, atada al asfalto. Convertido en poeta contemporáneo, en este momento, quizás su obra se acerque más a la lírica. Su relato se cuenta ahora en forma de poema, cada detalle adquiere mayor importancia y los significados son infinitos.

Como todo narrador, tiene la necesidad de contar, de contarse. Con este proyecto, el propio García-Alix glosa los versos de un nuevo relato en primera persona. No es, por tanto, un trabajo retrospectivo, sino introspectivo. Un viaje entre presente, pasado y destino. Una reflexión vital sobre la fotografía.

Quienes hacemos PHotoEspaña agradecemos a Esteban Pastorino su participación en nuestro blog.

Gracias, Esteban, por compartir tus fotografías, tus búsquedas e inquietudes.

Quienes hacemos PHotoEspaña agradecemos a Esteban Pastorino su participación en nuestro blog.

Gracias, Esteban, por compartir tus fotografías, tus búsquedas e inquietudes.

Guillermo Fadanelli. Malacara. Editorial Anagrama (Narrativas Hispánicas). Octubre, 2007

Hace poco menos de cuatro años llegó uno de aquellos famosos momentos decisivos que parecen cambiar la vida de las personas. En aquellos tiempos, yo dedicaba buena parte de mi tiempo libre en el cuarto oscuro que había construido en mi casa. Empezaba también a trabajar como ¨todólogo¨ en un estudio de diseño, con una paga, que para el momento, no era mala. Pero no estaba fotografiando. Las horas que pasaba en el cuarto oscuro, que cada vez se iban reduciendo más, las gastaba en su mayoría imprimiendo negativos viejos. Y una tarde, en la oficina, se puede decir que me llegó un momento de iluminación en el que descubrí que realmente estaba mal gastando mi tiempo. No me conmocioné y salí corriendo de la oficina, no... pero si tomé la decisión de intentar entrar dentro de una “buena” universidad para estudiar mi maestría en fotografía.

Existen momentos específicos en la vida, en que sin uno estar en la búsqueda, se empiezan a encontrar distintas casualidades que, de manera ilógica, se conectan perfectamente. Creo que son éstos momentos de convergencia de ideas y experiencias, en los que más crecemos (humanamente, intelectualmente, etc.). Con mi decisión de dedicarme seriamente a la fotografía, en cuestión de meses tuve la oportunidad de aprender más del significado real de la fotografía de lo que había aprendido en años anteriores.

Uno de los libros que más me llamó la atención, y que cambió mi modo de percibir la fotografía, fue Candlestick Point, de Lewis Baltz. 


 

Quienes hacemos PHotoEspaña agradecemos la comprometida y sincera participación que Matías Costa realizó en nuestro blog durante el mes de abril.

Esperamos que todos vosotros también la hayáis disfrutado.  

¡Muchas gracias, Matías!

Barcelona, martes 15 de abril de 2008

Salimos de la dársena de San Fernando, remontando el delta del río hacia el interior.

En poco más de 15 minutos estábamos en la isla; a menos de 20 kilómetros del obelisco, a miles de vidas de la vida en Buenos Aires.

El contraste entre este Macondo doméstico y la feroz cotidianidad de la ciudad es tan desmesurado que sólo puede entenderse como una más de las contradicciones que dan sentido a este país.

Barcelona, martes 15 de abril de 2008

Salimos de la dársena de San Fernando, remontando el delta del río hacia el interior.

En poco más de 15 minutos estábamos en la isla; a menos de 20 kilómetros del obelisco, a miles de vidas de la vida en Buenos Aires.

El contraste entre este Macondo doméstico y la feroz cotidianidad de la ciudad es tan desmesurado que sólo puede entenderse como una más de las contradicciones que dan sentido a este país.

Madrid, viernes 5 de abril de 2008

Llegué a Madrid el domingo. Pero aun no he vuelto del todo. Me cuesta aterrizar, encontrarme de nuevo en este lugar, donde sucede mi vida. Mis maletas llevan cinco días abiertas y no termino de vaciarlas. Temo que algo invisible se pierda en ese tránsito. Se que lo más valioso de mi viaje lo traigo dentro de mí. Nada se pierde si uno no quiere. Sea en la forma que sea, es posible recuperar las cosas. Nunca vuelven del mismo modo, ni yo lo pretendo. Me basta un lejano recuerdo para reconciliarme con ellas. Lo importante no es lo que nos ha ocurrido sino el significado que hoy tiene en nuestra vida lo que ocurrió. Eso es lo que aprendí en este viaje.

Las mejores fotos ya están hechas. Solo hay que buscarlas.

Ha sido el viaje más intenso de todos. He tenido tiempo de mirar y de mirarme. He buscado las fotos que ya estaban hechas y he querido escuchar. Me acompañaba una grabadora de audio y una cámara de vídeo. Registros de la vida misma tal como sucede, sin imposturas. Porque la vida es la forma de arte más pura que conozco, la más honesta, la más conmovedora.

He pasado años fotografiando el desarraigo de otros, recorriendo las puertas de Europa para registrar la llegada de inmigrantes. Elegí, como siempre sin demasiada conciencia, posponer mi propia historia para contar historias ajenas.